Romano Viazzani’s solo classical accordion album where you can hear his Beltrami CVP 7 instrument, complete with it’s 32′ set of reeds of in all it’s glory! This album features original compositions for contemporary classical accordion as well as some keyboard transcription repertoire and some chamber music transcribed for solo accordion. The Piazzolla compositions are taken from piano arrangements so are not necessarily what a bandoneon part in an ensemble would look like.
J.S.Bach (1685-1750) (Book I, 48 Preludes and Fugues, The Well-Tempered Clavier)
1) PRELUDE NO.2 IN CMINOR
2) FUGUE NO.2 IN CMINOR
Davor Bobić (1946- ) Liturgical Suite (The last days of Jesus Christ on Earth)
3) GLORY TO GOD IN THE HIGHEST
4) IN THE GARDEN OF GETHSAMANE
5) CRUCIFIXION
Franck Angelis
6) ROMANCE
Antonio Vivaldi (1675-1741) The Four Seasons
7) WINTER – MOVEMENT I FROM CONCERTO NO.4 IN F MINOR(OP8, NO.4 RV297)
Astor Piazzolla (1921-1992) Ángel Suite
8) MILONGA DEL ÁNGEL
9) MUERTE DEL ÁNGEL
10)RESURRECCIÓN DEL ÁNGEL
Niccolò Paganini (1782-1840)
11) MOTO PERPETUO
Sleeve Notes
Romano Viazzani was born in London in 1966 and studied Piano with Penny Hughes and Accordion with Frank Lilley and later Prof. Owen Murray. As well as having a busy performing schedule Viazzani has composed much music the most significant of which was his Concerto for Accordion and Orchestra – Valceno, written in 2001 for the occasion of the London Accordion Festival and performed by the BBC Concert Orchestra under the direction of Nick Davies. His international career has included performances both as a soloist and as part of various ensembles.
J.S.Bach wrote the Well-Tempered Klavier between 1722 and 1744 roughly a century before the accordion was invented although the principle of the free-reed dates back to China around 1200 bc. Although written as a didactic work for the clavichord or harpsichord it has been adopted by the piano and now the accordion too. Ousley’s definition of counterpoint as “the art of combining melodies” has led to some pianistic approaches to fugue seeking to “bring out the subject” as if the countersubjects were not important. Although it is easier to bring out a subject on the piano by hitting the relevant notes a little harder the difficulty lies in preventing the failure of tone. In this context the accordion can only give prominence to a particular subject through articulation rather than volume as the air from the bellows cannot favour some notes being played over others. It may therefore claim by its nature, to produce an interpretation closer to that of a harpsichord (or organ in the case of The Art of Fugue) and therefore possibly more like Bach intended. Howard Goodall credits the invention of the accordion with being the “one of the most devastatingly effective weapons in the triumph of equal temperament” in the world due to the fact that the instrument had to be tuned to able to play in any key from when it left the factory. It’s hard to imagine today that as late as the 19th century there were still many alternative systems of tuning which sound out of tune to our conditioned ears today. The Well-Tempered Klavier was Bach’s way of supporting the case for Equal Temperament and that Bach achieved this is a marvel in itself at a time when to tune an instrument into twelve equal notes was still out of reach. 48 Preludes and Fugues written in every major and minor key that worked on instruments tuned by the maestro in a small part of Germany but did not prevail as a tuning system worldwide for many years because he never wrote down how he had achieved it! So there we have it, Bach and the Accordion – both champions of Equal Temperament. Had the accordion been around at the time of Bach we may well be playing music from Das Wohltemperierte Akkordeon today!
Davor Bobić is one of Croatia’s foremost contemporary composers. His extraordinary talent was nurtured at the Kiev Tchaikovsky Conservatory and has enabled him to successfully engage in many musical forms, ranging from piano miniatures to massive symphonic works and music for theatre and from opera and ballet to film scores. His work consists of over a hundred pieces composed for solo instruments, chamber music ensembles, choruses, as well as large scale works orchestral and choral works such as his Vukovar Requiem. His works for accordion have become part of the syllabi of music conservatoires all over Europe. His Liturgical Suite is a deeply spiritual piece based on the passion of Jesus Christ. It has a filmic quality about it and it is easy to imagine this work played by a large orchestra accompanying a biblical epic so vividly visual are his tonal images. He uses the accordion’s diverse palette of colours and special effects sensitively in the second movement and in the right acoustic his 1st movement and dying bars of the 3rd movement can be exploited to draw attention to a certain family resemblance between the accordion and its larger relative the pipe organ.
It can be said that modern accordion literature has been dominated in recent times by the Russian school with Zolotariev and Gubaidulina leading the way. Other European countries have had their successes too and amongst these one would expect to see the French given that the instrument is so popular in their own “musette” genre. Amongst these French “leading lights” Franck Angelis is sure to figure and the fact that he is often played at all the leading accordion competitions is testament to this, so much so that in 2004 he was commissioned to write the test piece for the Coupe Mondiale of the same year. The four-movement piece Impasse will no doubt become an important addition to the concert repertoire of many accordionists. Romance is a much earlier composition and is deservedly a well established repertoire piece.
Antonio Vivaldi was much admired by his great contemporary J.S.Bach. He even transcribed some of his concertos, including a concerto for four violins which he arranged for four harpsichords. He was a much travelled, innovative and prolific composer and was by no means conventional. He wrote for unusual combinations like viola d’amore and lute, was one of the first composers to use clarinets writing several concertos for ensembles including chalumeaux, clarinets, horns and other rarities, he established the concerto form of a quick movement followed by a slow movement and ending with a quick movement and although not programmatic in the Romantic sense his collection of four violin concertos collectively known as The Four Seasons succeed in being highly descriptive pieces of music for their time. La tempesta di mare is another “programmatic concerto” describing storm at sea.
Known as “il prete rosso” – the red haired priest Vivaldi spent more time writing and conducting music than he did writing sermons and conducting church services and the city of Ferrara refused him entry due to his refusal to say Mass and his relationship with his pupil, soprano Anna Giraud. Of his circa 550 concertos, circa 350 are for solo instrument (more than 230 for violin); there are circa 40 double concertos, more than 30 for multiple soloists and nearly 60 for orchestra without solo, while more than 20 are chamber concertos for a small group of solo instruments without orchestra (the ‘tutti’ element is provided by the instruments all playing together). There are also many solo concertos for bassoon, cello, oboe and flute.
The first movement of “Winter” lends itself well to interpretation on the accordion where bellow shakes emulate the “chattering teeth” and “shivering in the snow” effects normally interpreted by the rapid bowing movements of the orchestra’s strings.
Astor Piazzolla took the tango of his native Argentina out of the dance halls and on to the concert platform. The creation of this so-called “Tango Nuevo” led to him being despised in his homeland until relatively recently. Amongst his many influences Piazzolla cited Bach and Bartok but it was advice given to him by his teacher Nadia Boulanger in Paris that made him begin to explore and develop his identity. She thought his compositions were good but she wanted to hear the real Piazzolla and it was then that Piazzolla played her one of his tangos much to her delight.
Although Piazzolla nearly always composed at the piano he played the bandoneon and accordionists everywhere have adopted his compositions for use on their own instrument due to the similarity in tone. It is difficult to interpret a suite such as the Ángel Suite on solo accordion because what one expects to hear is something similar to what is normally played by the Piazzolla quintet. Save for some short breaks we rarely hear the bandoneon play solo in Piazzolla’s compositions and for the majority of the time the bandoneon may not be playing much material where a bass line is necessary – that is to say that the role of the bandoneon is often playing with hands in unison or with two themes in counterpoint or even chords in one hand and a melody in the other. The need to provide a bass line accompaniment renders a bandoneon-like interpretation more difficult because the more rigid phrasing of the ensemble together with the freedom enjoyed by the bandoneonist to accent where he/she pleases poses an interesting challenge for a polyphonic instrument aspirated by one set of bellows that is taking a more holistic approach.
Niccolò Paganini typified the rise of the “virtuoso” in the Romantic period. One could mention composers like Liszt and Chopin in the same breath in this respect. In addition to being a phenomenal technician his audiences suspected that he was in league with the devil so rare was his gift. Paganini played on this by growing his dark hair long in contrast with his pale complexion. He was very tall and thin with a gaunt expression. Paganini was capable of playing three octaves across four strings in a hand span, a seemingly impossible feat even by today’s standards. His stature, flexibility and exceptionally long fingers may have been a result of Marfan Syndrome or Ehlers-Danlos Syndrome. His fingering techniques included double-stops, parallel octaves (and tenths), and left-hand pizzicato, which are now routine exercises for aspiring violinists. Moto Perpetuo was one of his many miscellaneous works for violin and piano and was quickly adopted by accordionists in the 20th century as soon as the development of the accordion action allowed fast, clean and technically demanding pieces to be executed. Here the accordion plays the violin part in the right-hand and the piano part in the left. His well-known 24 caprices and 6 concertos are but part of a repertoire that every violinist aspires to.
Italian
Romano Viazzani è nato a Londra nel 1966 e ha studiato il pianoforte con Penny Hughes e la Fisarmonica con Frank Lilley e poi con Prof. Owen Murray. In oltre ad essere sempre molto richiesto come interprete Viazzani ha anche composto parecchio e fra le sue più importanti opere figura certamente Valceno- Concerto per Fisarmonica e Orchestra, creata nel 2001 per The London Accordion Festival e suonata con la BBC Concert Orchestra sotto la direzione di Nick Davies. Si è esibito sia come solista che come parte di vari ensemble musicali nella sua carriera internazionale.
J.S.Bach compose Il Clavicembalo Ben Temperato tra il 1722 ed il 1744, un secolo prima che fu brevettata la prima fisarmonica anche se il principio dell’ancia libera naque molto prima, in Cina circa il 1200 ac. Benchè fu composto come opera didattica per clavicembalo o clavicordo è stato addottato dal pianoforte e più recentemente anche la fisarmonica. La definizione del contrappunto di Ousley, cioè “l’arte di combinare le melodie” ha dato il via ad alcuni approcci pianistici verso la fuga che cercano di dare “enfasi al soggetto” come se i contrasoggetti fossero di meno importanza. Basta picchiare le noti rilevanti con un po più forza ed il pianoforte riesce facilmente a dare prominenza al soggetto trovando invece più difficoltà a impedire il fallimento del tono. In questo contesto la fisarmonica può solo dare enfasi ad un soggetto tramite l’articolazione, piutosto che il volume siccome che l’aria dal mantice non puo favorire certe note sovvraposte ad altre. Per natura la fisarmonica riesce ad interpretare più come un clavicemablo (oppure un organo nel caso di L’Arte della Fuga) quindi potrebbe pretendere di avvicinarsi ad una versione più come Bach l’avrebbe intesa. Il compositore Howard Goodall attribuisce alla fisarmonica il titolo di “una delle più devastanti armi nel triofo del Temperamento Equabile” nel modo dato che doveva essere in grado da suonare in qualsiasi tonalità dal punto che lasciasse la fabbrica. Oggi è difficile imaginarsi che nel dicianovesimo secolo esistevano ancora vari sistemi di accordazione che oggi suonerebbero scordati alle nostre orecchie condizionate. Il Clavicembalo Ben Temperato fu il modo in che Bach utilizzò per favorire il caso per il Temperamento Equabile ed è una meraviglia che Bach riuscì a comporlo ad un’ epoca quando dodici note equabili furono non ancora ottenibili. 48 Preludi e Fuge composti in ogni tonalità maggiore e minore che funzionavano su strumenti accordati dal maestro stesso in un piccolo angolo della Germania ma che non si allargò molto per tanti anni come sistema d’accordare perchè non aveva mai scritto il metodo di ottenerlo. Quindi Bach che la fisarmonica sono stati due grandi campioni per il il Temperamento Equabile e se fosse stata inventata cent’anni prima forse oggi si avrebbe suonato musica dal Das Wohltemperierte Akkordeon!
Davor Bobić è uno dei più importanti compositori contemporanei dalla Croazia. Il suo straordinario talento fu curato al Conservatorio Ciaikovski di Kiev e gli ha dato la possibilità di assorbirsi in tantissime forme musicali, da miniature per il pianoforte ad enorme opere sinfoniche e musica teatrale, e dall’Opera e Balletto a colonne sonore per film. Tra musiche strumentali da solo, per coro, per orchestra da camera e grandi opere corale/orchestrale come il suo Vukovar Requiem sono più di cento le sue opere.
I suoi brani per fisarmonica fanno parte del programma di conservatorii in tutta Europa. Il suo prfondamente spirituale Liturgical Suite è basato sulla passione di Gesù Cristo. Ha una certa qualità filmica con imagini tonali così vividi e visuali che è facile imaginarlo suonato da una grande orchestra nella colonna sonora di un epico film biblicale. Usa bene e sensibilmente i diversi colori ed effetti speciali che offre la fisarmonica e in una acustica favorevole uno può sfruttare, nel primo movimento e le ultime misure del terzo movimento, l’assomiglianza al fratello maggiore – l’organo a canne.
Si potrebbe dire che in tempi recenti, con Zolotariev e Gubaidulina a testa, la letteratura della fisarmonica moderna è stata dominata un po dalla scuola Russa. Altre nazioni Europee hanno anche avuto i loro sucessi e fra questi certamente figurerebbero i Francesi dato che lo strumento è così popolare nel loro genere di “musette”. Fra queste “persone di primo piano” figura indubitibilmente Franck Angelis e testimonianza di questo si vede a tutti i concorsi più importanti dove vengono spesso suonate le sue composizioni. Tanto è stato il suo successo che nel 2004 è stato impegnato di comporre il pezzo d’obbligo per La Coupe Mondiale dello stesso anno. Impasse consiste di quattro movimenti e senz’altro diventerà una importante inclusione nel repertorio ti molti fisarmonicisti. Romance fu composto molto prima e merita di essere già il pezzo di repertorio affermato che è diventato.
Antonio Vivaldi fu ammirato molto dal suo grande contemporaneo J.S.Bach. Bach perfino trascrisse alcuni dei Concerti di Vivaldi incluso il Concerto per quattro violini che ha trascrisse per quattro clavicembali. Vivaldi viaggiò molto e fu un innovativo e fecondo compositore ed in nessun modo convenzionale; scrisse per combinazioni di strumente inusuali come la viola d’amore ed il liuto, fu uno dei primi compositori di usare clarinetti avendo composto vari Concerti per chalumeaux, clarinetti, corni ed altre rarità di quel epoca, stabilì la forma del Concerto stesso a un movimento veloce seguito da un movimento lento e finendo con un altro movimento veloce e pur non essendo programmatico nel senso Romantico i suoi quattro Concerti per Violino conosciuti collettivamente come Le Quattro Stagioni riescono ad essere
molto descrittivi per la loro epoca. La Tempesta di Mare fu un’altro “Concerto programmatico” che descrive quello suggerito dal suo titolo.
Conosciuto come il “prete rosso” per via dei suoi capelli rossi Vivaldi trascorse molto più tempoa scrivere e condurrere musica che a scrivere sermoni e condurrere i sevizi ecclesiastici e la città di Ferrara gli ha perfino proibito l’entrata per aver rifiutato da dire messa e per il rapporto che aveva con una sua studente, la soprano Anna Giraud.
Fra i suoi 550 Concerti circa 350 sono per strumenti soli (fra questi 230 per violino); circa 40 Concerti Doppi, più di 30 per solisti multeplici e quasi 60 per orchestra senza solista, e più di 20 sono per un piccolo gruppo di solisti senza orchestra (l’elemento orchestrale è raggiunto quando tutti is solisto suonano insieme). Ci sono anche tanti Concerti per strumenti soli per fagotto, violoncello, oboe e flauto.
Il primo movimento “Inverno” si adatta bene a una interpretazione con la fisarmonica dove l’effetto “bellow shake” riesce ad emulare bene il “batter i denti” ed il “tremar tra nevi algenti” normalmente interpretato dai movimenti rapidi degli archi.
Astor Piazzolla prese il tango dalle sale da ballo della sua nativa Argenetina e lo mise sul palcoscenico da concerto. La creazione del suo cosidetto “Tango Nuevo” gli portò molto oddio in patria fino tempi abbastanza recenti. Fra le sue principali influenze Piazzolla citò Bach e Bartok ma fu un consiglio dalla sua maestra Nadia Boulanger a Parigi che gli diedi spinta ad esplorare sviluppare la sua identità musicale. Nonostante fossero composizioni discrete la Boulanger volette scoprire il vero Piazzolla e lo scoprì dopo che Piazzolla gli suonò uno dei suoi tanghi. Benchè Piazzolla quasi sempre usò il pianoforte per comporrere suonò invece il bandoneon e fisarmonicisti ovunque hanno addottato le sue composizioni per uso su i loro strumenti per motivi di assomiglianza timbrale. Interpretare una composizione come Ángel Suite su una fisarmonica sola è difficile perchè uno si aspetta di sentire quello che è normalmente suonato dal Quintetto Piazzolla. Qualche passaggio aparte è raro sentire un assolo dal bandoneon nelle composizioni di Piazzolla e per la maggior parte la partitura per il bandoneon non richiede la linea armonica di basso cioè il ruolo del bandoneon nel contesto di un ensemble non è uno dove deve accompagnare se stesso ma uno dove tante volte suona a mani in unisono oppure con due temi in contrapunto o anche una melodia con una mano e degli accordi nell’altra. La necessità di provedere un accompaniamento con una linea di basso rende una interpretazione bandoneonistica molto più difficile perchè il rigido fraseggiare dell’ensemble e la libertà del bandoneonista di mettere accenti dove vuole posa una sfida interessante per uno strumento solo aspirato da un solo mantice che tenta un approccio olistico.
Niccolò Paganini caratterizzò l’ascenzione del “vituoso” nel periodo Romantico. Uno potrebbe includere Liszt e Chopin nella stessa categoria in questo rispetto. In oltre ad essere un fenomeno technico e, dato che il suo talento fu così raro, suo pubblico sospettò che abbia fatto un patto con il diavolo. Paganini aiutò le chiacchiere facendo crescere lunghi i suoi capelli scuri per contrastare con la sua palida carnagione. Fu alto e magro di stattura con un espressione ossuta e la capacità di suonare 3 ottave attraverso a 4 corde – una sfida considerata impossibile anche a giorno d’oggi. Sua stattura, flessibilità e dita eccessionalmente lunghe potrebbero essere attribuiti a la Sindrome di Marfan o la Sindrome di Ehlers-Danlos. La sua technica includeva doppie corde, ottave (e decimi) in paralelo, pizzicato con la mano sinistra, oggi diventati esercizi giornalieri per aspiranti violinisti. Moto Perpetuo fu uno fra tanti brani per Violino e Pianoforte e fu velocemente addottato da fisarmonicisti nel ventesimo secolo appeno lo sviluppo della fisarmonica arrivò ad un punto dove pezzi veloci, puliti e technicamente difficile fossero esecutubili. I suoi 24 Capricci e 6 Concerti sono solo una parte del repertorio che ogni violinista vorebbe padronare.
French
Romano Viazzani est né à Londres en 1966. Il a étudié le piano avec Penny Hughes et l’accordéon avec Frank Lilley, puis avec le professeur Owen Murray. En marge d’une intense activité d’interprète, Viazzani a composé de nombreuses musiques dont un concerto pour accordéon et orchestre intitulé Valceno. Composée en 2001 à l’occasion du London Accordion Festival, cette pièce a été interprétée par le BBC Concert Orchestra sous la direction de Nick Davies. Viazzani a donné de nombreux concerts comme soliste ou au sein de diverses formations, tant en Angleterre qu’à l’étranger.
J.S.Bach a composé Le Clavier Bien Tempéré entre 1722 et 1744, soit environ un siècle avant l’invention de l’accordéon, même si le principe des anches libres avait été découvert 1200 ans avant notre ère en Chine. Bien que cette œuvre à vocation didactique ait été écrite pour le clavecin, elle a été très largement jouée au piano, avant que l’accordéon ne s’en empare. La définition que donnait Ousley du contrepoint comme étant « l’art de combiner des mélodies » a parfois conduit les pianistes à faire ressortir le sujet des fugues au détriment des contresujets. Au piano, il est facile, en effet, de donner du relief au sujet ; il suffit de jouer les notes qui le composent un peu plus fort que les autres. Par contre, pour donner du relief à un sujet particulier, l’accordéoniste doit jouer sur le phrasé et l’articulation même des notes, puisque le volume produit par le soufflet ne peut favoriser la dynamique d’une voix au dépends d’une autre. On peut donc dire que l’accordéon se rapproche d’avantage, par sa nature même, du clavecin auquel Bach destinait l’œuvre (ou de l’orgue dans le cas de L’Art de la Fugue). Howard Goodall a dit de l’invention de l’accordéon qu’elle avait été « une des armes les plus terriblement efficaces au service du triomphe du tempérament égal ». En effet, l’instrument devait être accordé une fois pour toutes, au moment même de sa fabrication, pour jouer dans toutes les tonalités. Il faut s’imaginer que de nombreux autres tempéraments existaient encore au XIXème siècle! (tempéraments qui, il faut le préciser, sonneraient « faux » à nos oreilles conditionnées, justement, par le tempérament égal). Le Clavier Bien Tempéré constitue une véritable démonstration en faveur du tempérament égal, et le seul fait que Bach ait pu le composer est une merveille en soi, puisque l’on n’avait pas encore su trouver, à l’époque, comment diviser l’octave en douze demi-tons égaux. Et pourtant, les 48 préludes et fugues du Clavier Bien Tempéré, composés dans tous les tons majeurs et mineurs, ont effectivement pu être joués sur un seul et même instrument, accordé par le Maestro lui-même, dans un petit coin d’Allemagne. Mais ce tempérament ne s’est pas répandu, Bach ne l’ayant jamais consigné par écrit. Avec Bach et l’accordéon, nous sommes donc bien en présence de deux champions du tempérament égal ! Et qui sait ? Si l’accordéon avait existé au temps de Bach, nous jouerions peut-être aujourd’hui l’Accordéon Bien Tempéré !
Davor Bobić figure parmi les compositeurs croates les plus importants. Son extraordinaire talent, nourri par des études au Conservatoire Tchaïkovski de Kiev, lui a permis d’aborder avec succès de nombreux genres musicaux, depuis les miniatures pour piano jusqu’aux grandes œuvres symphoniques, le théâtre musical, la musique de ballet ou de film. Son catalogue comprend plus d’une centaine de compositions pour instruments soli, ensembles de chambre, mais aussi de grandes fresques pour chœur ou grand orchestre, comme son Vukovar Requiem. Ses œuvres pour accordéon figurent en bonne place dans le répertoire enseigné dans les conservatoires de toute l’Europe. Liturgic Suite est une pièce profondément spirituelle basée sur la Passion du Christ. Les images qui s’en dégagent sont si vivides qu’on imagine aisément qu’elle pourrait être jouée par un orchestre symphonique en accompagnement d’un grand péplum biblique. Dans le second mouvement, Bobić utilise avec une grande sensibilité la vaste palette de couleurs et d’effets de l’accordéon. Dans une acoustique propice, le premier mouvement, ainsi que les toutes dernières mesures du troisième mouvement, mettent habilement en lumière la ressemblance, l’« air de famille », qui unit l’accordéon à son grand cousin l’orgue.
La littérature moderne pour accordéon a été dominée ces dernières décennies par l’école russe, plus particulièrement sous l’impulsion de Zolotariev et Gubaidulina. Mais les compositeurs des autres pays européens ne sont pas en reste, et parmi ces pays, la France, dont la tradition du musette est si populaire, fait bonne figure. Ainsi, le Français Frank Angelis, dont les œuvres occupent une grande place au sein du répertoire moderne de l’accordéon, figure-t-il très souvent au programme des plus importants concours d’interprétation (c’est à lui que fût commandée la pièce obligée de la Coupe Mondiale d’Accordéon en 2004). Impasse est une pièce en quatre mouvements qui va certainement s’ajouter au répertoire de concert de nombreux accordéonistes, tout comme Romance, pièce beaucoup plus ancienne et déjà bien connue.
Antonio Vivaldi faisait l’admiration de son grand contemporain J.S. Bach, lequel transcrivit certains de ces concertos, et notamment celui pour quatre violons dont il fit une version pour quatre clavecins. Grand voyageur, compositeur aussi inventif que prolifique, Vivaldi n’était pas un musicien ordinaire. Composant pour des combinaisons instrumentales inhabituelles (viole d’amour et luth), pour des instruments nouveaux (comme la clarinette, pour laquelle il écrit plusieurs concertos) ou pour des ensembles étranges (chalumeaux, clarinettes, cors et autres « raretés » de l’époque), il a su imposer la forme du concerto en trois mouvements (vif-lent-vif) que nous connaissons encore et lui conférer un grand pouvoir d’évocation, comme en témoignent ses quatre concertos pour violons, plus connus sous le titre des Quatres Saisons, de même que le concerto La Tempesta Di Mare (la tempête en mer). « Il prete rosso », comme on le surnommait, le prêtre roux a sûrement passé plus de temps à composer et diriger de la musique qu’à écrire des sermons et dire des messes. Il lui fut même interdit d’entrer à Ferrare parce qu’il aurait refusé d’y dire une messe et qu’il entretenait une liaison avec son élève, la soprano Anna Giraud. Parmi plus de 500 concertos, environ 350 sont écrits pour des instruments soli (dont plus de 230 pour le violon, et de nombreux autres pour le basson, la flûte, le hautbois, le violoncelle, etc.), une quarantaine pour deux solistes, plus de 30 pour plusieurs solistes, près de 60 pour orchestre sans soliste et une vingtaine pour ensemble de chambre sans orchestre. Le premier mouvement de l’« Hiver » se prête particulièrement bien à l’interprétation à l’accordéon : le tremblement du soufflet y évoque les « dents qui claquent » et les « frissons dans la neige », autant d’effets rendus dans la version originale par les trémolos des cordes de l’orchestre.
C’est Astor Piazzolla qui a sorti le tango des salles de bal de son Argentine natale pour l’introduire dans les salles de concert. La création de ce qu’on a appelé alors le « Tango Nuevo » (nouveau tango) lui a longtemps attiré le mépris de nombre de ses compatriotes. Parmi les sources de son inspiration, Piazzolla citait volontiers Bach et Bartok, mais c’est sur le conseil de Nadia Boulanger, alors son professeur à Paris, qu’il a commencé à explorer et développer son identité propre. Elle appréciait ses compositions, mais elle voulait entendre le vrai Piazzolla. Il lui joua alors un tango de sa composition qui la ravit. Bien qu’il ait presque toujours composé au piano, Piazzolla jouait du bandonéon. Aussi, comme les timbres des deux instruments sont proches, les accordéonistes du monde entier se sont-ils emparés de ses compositions. Angel Suite est une pièce difficile à interpréter à l’accordéon seul, puisque l’auditeur s’attend à retrouver l’essentiel du quintet original de Piazzolla. Or, mis à part quelques courts moments, on n’entend presque jamais le bandonéon jouer seul dans sa musique, et Piazzolla ne lui confie que rarement un matériel contenant une ligne de basse. Le plus souvent, le bandonéon joue soit une mélodie en unisson aux deux mains, soit deux thèmes en contrepoint, soit enfin des accords à une main et une mélodie à l’autre. La nécessité d’intégrer un accompagnement avec une ligne de basse rend donc plus difficile l’interprétation de cette pièce dans l’esprit du bandonéon, et ce d’autant plus que par contraste avec la relative rigidité de phrasé des autres instruments du quintet, le bandonéon fait montre d’une grande liberté d’accents dans la version originale. Relever un tel défi à l’accordéon, instrument polyphonique mais ventilé par un soufflet unique, demande donc une approche globale de l’oeuvre.
Avec les compositeurs Liszt et Chopin, Niccolò Paganini incarne l’essence même du virtuose romantique. Sa technique était tellement phénoménale, son talent si rare, qu’on a pu soupçonner qu’il avait pactisé avec le diable lui-même. Paganini jouait volontiers de ce soupçon, en accentuant délibérément le contraste entre son visage blafard et ses longs cheveux noirs. Il était très grand, mince, presque décharné, et sa main immense couvrait trois octaves à travers les quatre cordes, ce qui est presque impossible. On pense d’ailleurs que sa stature, sa souplesse et la longueur exceptionnelle de ses doigts étaient peut-être la conséquence d’une pathologie : le syndrome de Marfan ou le syndrome de Ehlers-Danlos. Son apport à la technique du violon comprend le jeu sur deux cordes, en octaves et dixièmes parallèles, ainsi que les pizzicatos de la main gauche, autant de prouesses qui sont pratiquées aujourd’hui par l’apprenti violoniste désireux de jouer ses fameux 24 Caprices ou l’un de ses 6 concertos. Au début du XXème Siècle, des progrès dans la facture instrumentale permirent à l’accordéon de jouer avec précision des musiques rapides et techniquement difficiles. C’est à cette époque que les accordéonistes ont pu s’emparer de Moto Perpetuo (mouvement perpétuel), l’un des nombreux duos pour violon et piano de Paganini, dont la partie du violon est ici jouée par la main droite, celle du piano par la main gauche.
German
Romano Viazzani, 1966 in London geboren, studierte Klavier bei Penny Hughes und Akkordeon bei Frank Lilley, später bei Owen Murray. Neben seiner internationalen Karriere, sowohl als Solist, wie auch als Kammermusiker, widmet Viazzani sich auch intensiv dem Komponieren. Sein bedeutendstes Werk Valceno, ein Konzert für Akkordeon und Orchester, komponierte er 2001 für das Londoner Akkordeonfestival. Es wurde in diesem Rahmen vom BBC Concert Orchestra unter der Leitung von Nick Davies uraufgeführt.
J.S.Bach schrieb Das Wohltemperierte Klavier in den Jahren 1722 bis 1744, etwa ein Jahrhundert vor der Entstehung des Akkordeons, obwohl erste Gedanken zur Technik der durchschlagenden Zungen bis in das Jahr 1200 v.Chr. in China zurückreichen. Obwohl Das Wohltemperierte Klavier ursprünglich als didaktisches Werk für Klavichord und Cembalo geschrieben worden war, wurde es später in die Klavierliteratur aufgenommen und wird heute auch auf dem Akkordeon gespielt. Ousleys Definition des Kontrapunkts als „Die Kunst Melodien zu kombinieren“, hat zu einer pianistischen Art der Fugeninterpretation geführt, bei der es besonders um das „Hervorheben des Fugenthemas“ geht, als wären die Gegenthemen unwichtig. Auf dem Klavier ist es relativ einfach, ein Fugenthema durch einen etwas härteren Anschlag hervorzuheben. Im Unterschied dazu kann der Akkordeonspieler ein Thema nur durch besondere Artikulation, nicht aber durch Lautstärke hervorheben, da mit der Luft aus dem Balg gleichzeitig erklingende Töne nicht in unterschiedlicher Lautstärke gespielt werden können. Daraus ergibt sich natürlicherweise eine Interpretation, die der Spielweise auf dem Cembalo näher kommt und somit möglicherweise Bachs Vorstellung mehr entspricht. Howard Goodall hält der Erfindung des Akkordeons zugute, „eine der stärksten Waffen zur Durchsetzung der temperierten Stimmung“ in der Welt zu sein, da das Instrument in der Fabrik so gestimmt wird, dass es in jeder beliebigen Tonart gespielt werden kann. Heutzutage ist es schwer vorstellbar, dass sogar bis ins 19. Jahrhundert noch viele verschiedene Stimmungen gebräuchlich waren, die für unsere Ohren heute unsauber klingen. Durch die Komposition des Wohltemperierten Klaviers trug Bach zur Verbreitung der gleichschwebenden Stimmung bei, was in einer Zeit, in der die Einteilung der Oktave in zwölf gleiche Teile noch nicht üblich war, eine große Leistung bedeutete. Bach schrieb insgesamt 48 Präludien und Fugen in allen Dur- und Molltonarten, die nur auf Instrumenten gespielt werden konnten, die vorher von ihm selbst gestimmt worden waren. Da er aber nie aufgeschrieben hatte, wie er stimmte, war diese neue Stimmung auch viele Jahre später nicht allgemein gebräuchlich. Somit wäre der Bezug zwischen Bach und dem Akkordeon hergestellt: Beide sind erfolgreich durch die Nutzung der temperierten Stimmung. Hätte es das Akkordeon schon zu Bachs Zeit gegeben, könnten wir vielleicht jetzt auch aus dem „Wohltemperierten Akkordeon“ spielen.
Davor Bobić ist einer der führenden zeitgenössischen Komponisten Kroatiens. Sein außergewöhnliches Talent wurde am Tschaikowsky Konservatorium ausgebildet. Dies führte dazu, dass er sich einer Vielzahl musikalischer Gattungen, von Klavierminiaturen bis hin zu umfangreichen sinfonischen Werken, Chorstücken, Musik für Theater, sowie Oper, Ballett- und Filmmusik gewidmet hat.. Sein Werk umfasst über 100 Stücke für Soloinstrumente, verschiedene Kammermusikbesetzungen, Chöre, sowie große Sinfonie- und Chorbesetzungen wie sein Vukovar Requiem. Sein Werk für Akkordeon wurde Teil der Studienpläne an allen Musikhochschulen in ganz Europa. Seine Liturgische Suite ist ein tief religiöses Werk, dem die Passion Jesu Christi zugrunde liegt. Die Anschaulichkeit seiner Klangbilder und die geradezu filmische Qualität dieses Werkes lassen eine biblische Szene vor Augen erscheinen, die von einem großen Orchester gespielt wird. Besonders im zweiten Satz nutzt er die umfangreiche Farbpalette und die besonderen Effekte des Akkordeons. Der erste Satz, sowie die leise verklingenden Takte des dritten Satzes können, sofern sie in idealer Akustik gespielt werden, die Ähnlichkeit des Akkordeons mit der ihm instrumental verwandten Pfeifenorgel hörbar machen.
Es lässt sich durchaus feststellen, dass die moderne Akkordeonliteratur in der letzten Zeit von der russischen Schule dominiert wird. Zolotariev und Gubaidulina seien dabei als führende Komponisten genannt. Natürlich haben auch andere europäische Länder Literatur für Akkordeon hervorgebracht und gerade in Frankreich ist dieses Instrument im französischen Genre der „Musette“ sehr verbreitet. Franck Angelis ist unter den französischen Vorreitern der Akkordeonliteratur sicher herauszustellen, was schon die Tatsache beweist, dass seine Stücke oft in führenden Akkordeonwettbewerben zu hören sind. Im Jahr 2004 wurde ihm sogar der Kompositionsauftrag für das Pflichtstück im Wettbewerb „Coupe Mondiale“ erteilt. Ohne Zweifel wird das viersätzige Stück Impasse bald eine wichtige Ergänzung im Konzertrepertoire vieler Akkordeonspieler sein. Die viel früher entstandene Komposition Romance ist bereits verdientermaßen ein anerkanntes Repertoirestück.
Antonio Vivaldi wurde sehr von seinem großen Zeitgenossen J.S.Bach geschätzt. Dieser bearbeitete sogar einige seiner Konzerte, unter anderem ein Konzert für vier Violinen, welches er für vier Cembali umarbeitete. Vivaldi war kein konventioneller Komponist: Er reiste viel und versuchte neue Ideen in seine Kompositionen einfließen zu lassen. So schrieb er z. B. für Viola d`amore und Laute und war auch einer der Ersten, welcher die Klarinette einsetzte: Es entstanden Konzerte für ungewöhnliche Kombinationen mit Chalumeaux, Klarinetten, Hörnern und anderen seltenen Instrumenten. Außerdem führte er die uns heute bekannte Form des Solokonzerts ein, die aus einem schnellen Kopfsatz, einem langsamen Mittelsatz und einem schnellen Schlusssatz besteht. Obwohl die vier Violinkonzerte, die unter dem Namen „Die vier Jahreszeiten“ bekannt sind, nicht im romantischen Sinn als programmatisch zu bezeichnen sind, wurden sie zu seiner Zeit doch erfolgreich als sehr anschauliche Musik aufgenommen. Sein anderes „programmatisches Konzert“ tempesta di mare beschreibt einen Meeressturm. Vivaldi, auch „der rothaarige Priester“ („il prete rosso“) genannt, verbrachte mehr Zeit mit komponieren und dirigieren, als Gottesdienste abzuhalten und Predigen zu schreiben, so dass ihm die Stadt Ferrara den Zugang verweigerte, nicht zuletzt auch wegen seiner Liebesbeziehung zu seiner Gesangsschülerin Anna Giraud. Von seinen über 550 Konzerten sind 350 für Soloinstrumente geschrieben (allein über 230 davon für Violine, einige für Fagott, Cello, Oboe und Flöte). Es existieren 40 Doppelkonzerte, über 30 Konzerte für mehr als zwei Solisten, knapp 60 Konzerte für Orchester (ohne Solist) und 20 Konzerte für eine kleine Gruppe von Soloinstrumenten ohne Orchester (der Tuttiklang wird hierbei durch das Zusammenspiel aller Instrumente erreicht).
Der erste Satz des “Winters“ eignet sich gut zur Interpretation durch das Akkordeon, da die klirrende Kälte und das Zähneklappern, was sonst üblicherweise von den Streichern mit schnellen Bogenbewegungen gespielt wird, gut mit dem Balg imitiert werden können.
Astor Piazzolla hat dem ursprünglichen argentinischen Tango aus den Tanzsälen auf die Konzertbühne verholfen. Der neu erschaffene sogenannte „Tango Nuevo“ machte ihn für lange Zeit in seinem Heimatland unbeliebt. Laut Piazzolla haben Bach und Bartók den größten Einfluss auf ihn ausgeübt. Seine Lehrerin Nadja Boulanger brachte ihn aber schließlich dazu, seiner eigenen Identität nachzugehen und diese zu erforschen. Seine bisherigen Kompositionen gefielen ihr zwar, aber sie wollte den „echten“ Piazzolla hören und so kam es, dass er ihr zu ihrer Begeisterung einen seiner Tangos vorspielte.
Obwohl Piazzollla meist am Klavier komponierte, spielte er auch das Bandoneon. Überall schrieben Akkordeonspieler seine Musik für ihr Instrument um, da es einen ähnlichen Klang wie das Bandoneon erzeugt.
Es ist schwierig, eine Suite wie die Ángel Suite auf dem Akkordeon als Solist zu interpretieren, da man eigentlich den Klang des Piazzolla Quintetts erwarten würde. Außer in wenigen Ausnahmesituationen spielt aber das Bandoneon in Piazzollas Musik selten solistisch, sondern trägt eher durch verschobene Akzentuierungen zur tangotypischen Rhythmik bei. Auch spielt es im Original selten Basslinien, sondern beide Hände spielen entweder unisono oder kontrapunktisch zueinander, oder in der einen Hand wird die Melodie, in der anderen eine Akkordbegleitung geführt. Bei der Bearbeitung für Soloakkordeon besteht nun die Schwierigkeit (bedingt durch seine Konstruktion mit nur einem Balg), melodische Linien, Akkordbegleitung. Bassfortschreitungen und rhythmische Akzente miteinander zu verbinden, ohne dass sie sich gegenseitig stören.
Niccolo Paganini verkörpert die Zunahme des Virtuosentums in der Romantik. Im gleichen Atemzug könnte man auch Komponisten wie Liszt und Chopin nennen. Seine Technik war so phänomenal, dass man sogar munkelte, er stünde mit dem Teufel im Bunde. Paganini nutzte dieses Gerücht und ließ sein dunkles Haar so lang wachsen, dass es einen großen Gegensatz zu seiner bleichen Gesichtsfarbe bildete. Er war von sehr großer und magerer Statur und hatte eine asketische Ausstrahlung. Paganini war dazu fähig, drei Oktaven über vier Saiten mit einer Handspannweite zu spielen, was auch nach heutigem Standard ein Kunststück ist. Seine Statur, Gelenkigkeit und seine außergewöhnlich langen Finger sind möglicherweise Anzeichen des Marfan- oder des Ehlers-Danlos-Syndroms. Zu seiner Technik gehörten Doppelgriffe, parallele Oktaven (und Dezimen), sowie Pizzicato mit der linken Hand, was heute zur Standardtechnik eines jeden aufstrebenden Geigers gehört. So sind seine 24 Capricen und 6 Konzerte natürlich Teil des gängigen Geigenrepertoires. Moto Perpetuo ist eines seiner zahlreichen Stücke für Violine und Klavier und wurde, sobald die Akkordeonmechanik schnelle, deutliche und technisch anspruchsvolle Passagen zuließ, bald von Akkordeonspielern des 20.Jahrhunderts in ihr Repertoire aufgenommen. Hier spielt das Akkordeon den Violinpart mit der rechten und den Klavierpart mit der linken Hand.
Aus dem Englischen von Antonia Köster